Band: The Kinks Album: The Ultimate Collection Year: 2002 Genre: Garage, Rock, Pop, Mod
Te pones The Kinks a tope y la movida cambia;
Con ellos, te ves conduciendo derrepente un jodido y bonito Ford Mustang Shelby del 69, por ejemplo. Te incorporas en la M-40 para ir al local del ensayo en Ritmo & Compás, y suena de fondo Everybody's Gonna Be Happy, joder, que temazo, por un momento soy el puto amo, si no fuera porque mi carro es un puto Twingo! y con mucho honor, jeje. Bueno, al fin y al cabo, ha sido un gran momento.
Hace no mucho, en la Sala Sol, con los ojos cerrados, y varias copas por medio, que más que agarrarme a ellas, ellas eran las que me sostenían, y en ese preciso momento entre el bien y el mal, van y me ponen a todo volúmen All Day And All Of The Night, la visión cambia, te agarras a lo que sea y te pones a mover el esqueleto como aquellos videos antiguos donde la peña bailaba los Beach Boys, por ejemplo.
Y cada vez que por mis oidos pasan esos acordes rebeldes... ta na na na!! ta na na na! se reconocen a leguas, si, suena You Really Got Me; O cuando estás melancólico y te pones Set Me Free o te da por volver a estár con todo el buen rollo del mundo y vuelves a reventar el timpano a los vecinos con Till The End Of The Day
Terminando, gran disco con 44 temas The Kinks, para iniciarse como dios manda.
Band: Quadrophenia Original Soundtrack Album: Original Soundtrack Year: 1973 Genre: Mod (Jazz, R&B, Soul, Ska, Beat)
Que la música es arte no lo dudo... ahora bien, que la música es terapéutica... ummm, dificil. Dicen que la música es una técnica que utilizan algunos jardineros y/o agricultores especializados en lo suyo: poner música clásica a sus plantas y/o cosechas hace que crezcan mejor, más rápido y con más fertilidad.
Pero a mi, la música si me sirvió como autoterapia. Nunca en mi vida estuve realmente fuera de mis cavales, jamás he llorado por una causa, y jamás me he agobiado, pero ¿no es así el mal de amores?
Te toca vivir algo realmente duro, algo nuevo, y no sabes como te va ha afectar hasta que estás sufriendolo. Este verano, cada vez que estaba solo, me encontraba solo, pero... después de todo me vino bien, ahora soy otra persona de lejos, muuuuy de lejos.
El momento más bonito que he vivido en mi vida estando en soledad fué un día corriente de Agosto de 2009, en Asturias, concretamente, en mi pueblo Navia, en la playa:
"Meses antes había escuchado el disco de Quadrophenia, aquella banda sonora compuesta de auténticas bellezas compositivas (High Numbers, The Kingsmen, The Ronettes...) y a ppios de Agosto compré la película...
...pues bien, sentí un paralelísmo brutal y emocional con el protagonista de la película. Sentado, solo, con mi tabaco, con algo que me colocase, mirando el Mar Cantábrico, con los piés hundidos en la arena de pizarra, con una sudadera, y con esas pintorescas nubes grises del norte amenazando con rugir.
Solo y acompañado como no, de mi fiel amiga, la música, no paraba de escuchar canciones como Louie Louie de The Kingsmen, By My Baby de The Ronettes, Zoot Suit de The High Numbers o I've Had Enough de The Who. Fué un climax personal de emociones, sensaciones, no sabía donde tenía el rumbo durante aquella tarde, pero quizás, pasar por esa desorientación personal en solitario, fué mi autoterapia".
Al igual que el protagonista de Quadrophenia, todos hemos pasado por ese desengaño personal alguna vez. Por eso, recordar, remover el pasado, idealizar algo, es lo peor que te puede pasar, luego, el desengaño puede ser un arma de doble filo. A mi el desengaño me hizo sufrir, pero no me mató, y Quadrophenia me levantó del suelo, al contrario que a su propio protagonista, que lo ejecutó.
Band: DECCA The Originals Album: The Freakbeat Scene Year: 2005 Genre: Freakbeat (Rock, Psychedelic, Blues...)
Wikipedia dice que: Freakbeat es un género de música rock que tuvo auge en la mitad de los años sesenta. Estilo de rock que medio entre las bandas de R&B populares entre los mods; y el rock psicodélico y el rock progresivo. Elementos del freakbeat incluyen una batería fuerte, guitarra distorsionada con fuzztone, flanger, y el resto del audio o las voces con phaser y compresión. Algunas bandas de garage rock de la época podrían ser consideradas dentro de este estilo. Entre lo más representativo de este estilo podríamos considerar a los primeros álbumes de The Who, The Kinks que influenciaron a grupos como The Creation, The Sorrows y The Move.
En definitiva, al igual que el disco que os recomendé "ciegamente" llamando de DECCA Records - The Mod Scene, este es otro de esos recopilatorios en la misma línea que sacó hace unos años ya la DECCA Records de su bahúl de los recuerdos. Joder, y que recuerdos.
Música que escuchas, que nunca la viviste, pero que te transmite un sentimiento que no puede explicarte. Es como ver la película de Regreso al Futuro I, cuando nuestro querido y olvidado Michael J. Fox, encarnando al malogrado Marty McFly, sube sin mediar palabra en el escenario de la fiesta del baile de fin de curso y empieza ha tocar Jonhnny Be Good. Aunque es verdad que podría encajar mejor este disco como banda sonora de la época a la que se hace apología en Austin Powers, pero sin humor y muy buena música.
Band: Pearl Jam Album: Backspacer Year: 2009 Genre: Grunge, Rock
Y pensar que después de aquél mítico icono y pilar musical de los 90 llamado Ten (1991) iba a tener tal repercusión.
Señoras y señores, siempre, y está vez, solo es una más, lo puedo decir, es más lo puedo gritar a los cuatro vientos hasta quedarme jodidamente afónico: Pearl Jam es el grupo de mi vida, de mis sueños, de todo. Mezcla tu mejor orgasmo, multiplícalo por mil (si, frase de Trainspotting) y ni siquiera serás capaz de sentir Pearl Jam como yo. Y así de ancho me quedo. Y sino, pregunten a Rosendo Mercado, opina como yo, je.
Backspacer (2009) es un todo en uno. Me explico: Suena a Versus (1993), No Code (1996) y Pearl Jam (2006)... en resumen, adiós a la época Binaural (2000) y Rito Act (2002), se han reafirmado en el puro Rock.
¿Canciones a destacar? sin lugar a dudas me quedo con: Got Some, Johnny Guitar, Amongst The Waves y Unthought Known, son espectaculares.
Me encanta que en este disco compusiese tanto mi querido Matt Cameron (ex Soundgarden), y por supuesto Stone Gossard, incombustible. Aunque como bien sabéis, Eddie Vedder comanda la personalidad y es el motor de esta gran máquina.
En definitiva, un grandísimo disco, directo, el más corto de su carrera: 36m:39s de Rock, a veces Punk, y por supuesto, ese sabor Grunge no caduco.
Band: The Cure Album: Disintegration Year: 1989 Genre: Post Punk, New Wave
... y es que estaba esperando el momento exacto, sin premeditación, para poder expresar lo que siento al oir este LP.
Cada nota de este disco me representa amor y odio, un enamoramiento puro por la melodía, y un desengaño personal, absoluto y destructor frente a mi experiencia con el amor. Me hace sentir así, no por las letras, sino por las atmósferas descoloridas y agridulces, pero insultantemente bellas.
Escuchar Disintegration, es triste, es pasear por una ciudad húmeda, cuando a dejado de llover en mitad de una noche fría. Es añorar un abrazo, es caminar y pensar si la chica que te acabas de cruzar en la calle será "ella", la que me ame para siempre y a la que yo ame, mime, cuide y protega hasta la tumba.
Disintegration es mirar por la ventana cuando llueve, respirar pegado al cristal y ver como se empaña poco a poco con mi respiración entrecortada, pensado, en que persona fuí una vez, mientras estoy autojuzgandome y reafirmandome en que amar es de estúpidos y que jamás encontraré a la mujer de mi vida. Ya no hace falta.
Pero ya no es dolor, de hecho, mi boca se retuerze creando una tímida mueca, sí, es una sonrisa por haber creido en una causa, apoyarla, reafirmarme en ella, luchar y llorar por ella para que todo se fuese a la puta mierda. Ya es muy tarde. Yo mientras he sabido madurar y salir adelante, solo, quizás con demasiada rabia y con un gran sobreimpulso.
Por eso, puedo decir, haciendo referencia a The Cure que, probar de otras flores es mi propia cura.
Band: The Jam Album: The Very Best of Year: 1997 Genre: Revival Mod, Punk Rock, New Wave
Porqué recomiendo un recopilatorio de The Jam y no un disco? y porqué coño me gusta The Jam así de buenas a primeras? estamos locos? o que?
Como en el anterior disco de la DECCA que os comenté en el anterior post, hay música que, sabes que está ahí esperando a que la escuches, pero haces oidos sordos de ella hasta que te llega en ese momento exacto en tu vida, en el cuál eres una esponja sonora, y "chupas y mamas" con los cinco sentidos.
A mi me pasó, me pasa y me pasará con la música todo lo que acabo de explicar. Algún día escucharé cosas que hoy se que están ahí, pero el abanico es tan extenso que prefiero ir llenando nichos en mi mente poco a poco, con acordes y melodías de un mismo género para licenciarme musicalmente, es una meta imposible.
The Jam me encantan, me atraen, incluso, y mirar que me es raro que yo lo diga, hasta la estética es atractiva. Los temas, la actitud, el acento inglés, los temas sencillos, pero directos como un puñetazo... muy grandes.
¿porqué me parten The Jam? muy fácil, darle al play:
Poco más deciros, esucharlos y escucharlos, merecen la pena, no me apetece hablar de ellos en profundidad, ya son de sobra conocidos, 6 discos y Paul Weller son las razones de peso para ello!
Nada más que objetar! empaparos de estos ricos ricos temas!
Band: DECCA The Originals Album: The Mod Scene Year: 2005 Genre: Mod (Jazz, R&B, Soul, Ska, Beat)
Desde 1962 a 1968...La película Quadrophenia nos da una visión estético-musico cultural muy clara de la escena Mod: Garitos humedos y contaminados de humo en Londres principalmente, peleas entre Mods y Rockers, bailes locos, drogas, Scooters maqueadas, cerveza y más cerveza, el frecuente consumo de anfetaminas, trajes a medida, polos de Fred Perry con cuello cerrado, Parkas, y como no, la música: High Numbers, Small Faces, The Who, The Animals, The Yardbirds, The Kinks, The Poets, The Attack, Timebox, Chris Farlowe, y muchos más que aún no conozco, son lo que abanderaron la escena Mod.
"...y el corazón engaña a la razón en una relación sentimental..."
Lo bueno de conocer personas o de tener relaciones sentimentales, es que en el plano personal puedes aprender y madurar en muchos aspectos personales como me ha pasado a mí.
Pero en una relación también puedes empaparte de otras cosas, que no sabes que están ahí, arraigadas en el interior más recóndito de uno mismo, pero no sabías que iban a salir algún día, esto es, el gusto por la música Mod. Me la dieron a conocer y ahora pues, estoy en la época de "mamar" de tanta nueva música que enriquece mis oídos.
En definitiva, DECCA, es un sello discográfico establecido en UK desde 1929, el cuál con este disco nos presenta un espectacular recopilatorio de 25 canciones de 25 artistas, en este caso pertenecientes a la música Mod, que pasaron por sus estudios alguna vez.
Band: RIP KC Album: Obvious and Bleeding Year: 2005 Genre: Stoner, Rock, Psicodelic
Junto con su último gran trabajo: Spingüolf, para mí, lo mejor de España abarcando cualquier género musical. ¿Y porqué? simplemente escuchalos, vete a Madrid a verlos, aunque siempre te darán alguna sorpresa tocando por Utrera, Alicante o sabe Dios donde puedes verles... ah! sí! ahora están partiendo la pana con Pancho Villa en México.
Como músico y compañero de los tablaos, he de decir dos cosas: la primera que fué un honor compartir escenario con RIP KC una vez en la Sala Taboó (ellos no lo saben, pero yo flipé), y segundo, da gusto estár con gente tan campechana, familiar y maja.
Como persona que escucha y critica su disco, decir que rozan la belleza melódica. Te envuelven, te amarras a su tren y te dejas llevar hacia el mundo de desertico que fluye de sus notas.
¿A que suenan? puff, depende en que época... ¿Punk? ¿Stoner? ¿Hard Rock? ¿Psicodelia? que más da, todo lo combinan de puta madre, y puedes oir desde un riff al rollo Triana hasta un riff Black Sabbath a saco.
Bueno, que os vayais a comprar el disco! Por cierto, los podréis encontrar en la web Alone Records o en sus conciertos.
Band: Black Sabbath Album: Vol. 4 Year: 1972 Genre: Rock, Hard Rock
- Hola tio, ¿que tal todo? - Bien, hoy vine de camino a tu casa con Black Sabbath a toda ostia en el coche - ¿Que disco escuchabas? - El Vol.4, ya sabes que lo único que merece la pena es Black Sabbath con Ozzy
Y Dios creó el Hard Rock. Parió la música a Black Sabbath, y a la voz un delicuente, bajito, con una mirada degradada y andares vampirescos, y que por lo visto se come murcielagos. Hace poco tuvo un reality show en su propia mansión y da pena ver el reflejo de los excesos de las drogas en su fachada personal, si claro, es Ozzy.
La influencia de The Beatles es la sombra del Pop de los últimos 30 años, al igual que Led Zeppelin del Rock, Pink Floyd de la música más vanguarsista, y Black Sabbath? los padres del Heavy, del Trash, del Stoner, y el arbol podría seguir ramificandose.
Band: The Beatles Album: A Hard Day´s Night Year: 1964 Genre: Rock
No se si es el aroma antiguo pero fresco que se respira al oir los acordes de este disco, no se si son esas canciones que rompieron barreras y estereotipos a mediados de los 60, no se si fueron esos conciertos calurosos en The Cavern con olor a cerveza y atmósferas de humo que violaban la inocencia de los jóvenes, solo se que fué lo que aún, padres e hijos somos: la familia del Rock.
No es mi disco preferido de los Beatles, de hecho la primera etapa de los Beatles me parece incluso graciosa, una época de pose, estética mod e impecable, con canciones de amor. Luego vendrían los verdaderos Beatles, o por lo menos por los que me siento un seguidor ciego y enfermizo, claro, hablo desde el disco Revolver en adelante.
Conocí a The Hillbilly Moon Explosion gracias Maria, mi novia, que de música sabe un rato :). Los escuché y dije: "coño, este rollo desde siempre me ha encantado", y es así. Son mezcla de Rock'n'Roll, Psycho, Swing, Blues, Country y espíritu de las mejores canciones Oldies.
Son bailables, suenan que te mueres, son atemporales y este disco tiene un buen puñado de temas para oir en cualquier momento.
Mezclan temas más lentos y oldies, con temas espectaculares rollo Rockabilly y muy marchosos.
Band: Calexico Album: Carried to Dust Year: 2008 Genre: Indie Rock
A sus comienzos, Calexico eran silenciosos y, por momentos, muy ambientales como se refleja en su segundo disco The Black Light (1998), y es que, escucharles era y es viajar al desierto de Arizona, al más puro Oeste bajo los efectos de algún tipo de alucinógeno. Pronto se apoyaron en instrumentos como trompetas, violines y trompas así como influencias de jazz con sabores mariachis. También se atrevieron a ser más Pop en Garden Ruin (2006), (pero solo fue un guiño de Joey Burns a su lado más sensible).
Después de adelantarnos el Tour album Toolbox (2007), siendo edición limitada a conciertos y meramente instrumental, dan a conocer Carried to Dust (2008).
Calexico vuelven a las composiciones con un sabor parecido al que nos dejó en su momento el gran disco Hot Rail (2000). Victor Jara's Hands nos vuelve a trasladar a los que nos tienen acostumbrados Calexico, me encanta. La mágica Two Silver Trees nos presenta una cara nueva de Calexico bajo el mismo paisaje desertico de siempre, se sale. También The News About William me tiene totalmente enganchado, no entiendo a que está esperando Tarantino para meterles de banda sonora para alguna de sus pelis, jeje. Otras razones para escuchar el disco?: Writer's Minor Holiday, House Of Valparaiso... y como no: El Gatillo (Trigger Revisited) , típico corte largo e instrumental al más puro estilo Minas de Cobre en The Black Light (1998) (una de las grandes piezas de Calexico)
Por cierto, los tenemos de visita!
Fechas En España Tour 2009 Enero: 15 Madrid, 16 Vigo, 17 San Sebastian, 18 Zaragoza y 20 Barcelona
Band: The Sonics Album: Here are the Sonics Year: 1965 Genre: Garage Rock
Wow,have love Whoa baby will travel, Uh huh, uh huh,have love Woah baby will travel, I said if you need loving then Mm,hmm,i’ll travel.
(song: Have Love Will Travel)
The Wailers, The Kingsmen, o The Sonics y otros muchos más, fueron pioneros en el género Garage a mediados de los 60, pero The Sonics eran otra cosa. Sonido salvaje, indomable, ruidoso, distorsionado, sucio y caótico. Así son, como una enfermedad que hace que no pares de mover la cabeza como un poseso y que sientas, que por un momento perteneciste y viviste en otra época más gloriosa, inocente, reivindicativa y donde uno podía soñar con un mundo mejor, los jodidos 60.
Fueron de los más salvajes en su época, canciones tan consagradas como The Witch, Boss Hoss, Have Love Will Travel, Do you Love Me, y un buen puñado de versiones transformadas y disfrazadas a su gusto hicieron de ellos una banda fundamental en aquellos antros medio clandestinos donde escupían sus notas bajo humo y gente bailando poseída sin dar crédito a la revolución musical y social que estaban viviendo en sus carnes.
Band: P J Harvey Album: Rid of Me Year: 1993 Genre: Alternative
Olé, olé y olé. Si no conoces a P J Harvey (Polly Jean Harvey, 1969, UK) creo que te estás perdiendo algo importante. Primero porque estás ante una tía con los cojones más grandes que la mayoría de los rockeros, tal cuál. Ella sola se lo guisa y se lo come, como Juan Palomo.
Ella lo es todo para su género: "la mujer más admirable del panorama alternativo en los últimos 15 años". Sus acordes, sus viscerales letras, su propia filosofía, su orgullo femenino, y su exquisita calidad compositiva, y como no, su voz.
Expresar lo que sientes es difícil, cualquier músico lo sabe, es jodido, y solo cuando llega el momento, el mojo, y que son pocas veces, te sientes lo suficientemente confiado como para creer en que puedes componer algo emotivo: P J Harvey desborda lo emotivo hasta convertirlo en algo insultante.
Rid of Me (1993) no es un disco, es una declaración de verdades, de sentimientos compactos, de notas afiladas, ensangrentadas, trasparentes y dolorosas. Es una de esas joyas que salieron en aquellos maravillosos comienzos de los 90, donde no paraban de salir a la luz numerosas bandas que hoy en día siguen gobernando y salvaguardando el rumbo de lo puramente underground.
Band: Oasis Album: Dig Out Your Soul Year: 2008 Genre: Rock
Que Liam Gallagher es gilipollas no es decir algo nuevo. Que Liam & Noel son más chulos que un ocho y les gusta las Lambrettas de los 60, no cabe duda. Que Liam se masturba viendo videos de John Lennon, es algo que todos sabemos. Que Oasis son una gran banda... tampoco hay duda, o al menos yo ya no tengo esa duda.
Jamás me ha gustado Oasis. Bueno, miento, con 13 años escuchaba el Definitely Maybe, y junto al Nevermind de Nirvana me parecían lo máximo, ahora tengo 26 tacos(casí 27, que viejo)... pero siempre he reconocido que son buenos. Y me jode reconocerlo.
Duele reconocerlo cuando siempre me he cachondeado de la gente que escuchaba Oasis por lo comerciales que eran (típica época que sólo lo que uno escucha es lo mejor y auténtico).
Me enteré que salió a la venta el nuevo disco de Oasis: Dig Out Your Soul (2008), leí las críticas y lo ponían por las nubes. Pensé: "me lo bajo y vemos como han ido a pique estos gilipollas disco tras disco" .... ahora me pregunto: ¿Porqué coño me he comprado el disco? Como me he podido contradecir taaaantos años? gracioso.
Este disco es un puñetazo Rock en tu jepeto, y duele reconocerlo. Tiene temazos, es directo, es cañero, suena diferente, y me temo, que no es más que parte de una bonita evolución que Oasis a sufrido. Vaya discazo coño!
Os remitiría al Hit The Shock Of The Lightning para que os inicieis en este bonito disco... pero no. A mi me gustan los no-hits, o las B sides, o las que son cojonudas pero no venden tanto. Me quedé flipando al oir The Turning, un tema con mucha clase, con un feeling especial y porqué no, un rollo Radiohead con el piano.
Aunque la canción que me sigue sin divorciarse de mi subconsciente es Waiting For The Rapture, y canta Noel, se le nota. Que temazo. Por otro lado, el tema I'm Outta Time (Get Off Your) es una declaración de amor imposible de Liam a Jonh Lennon, suena a Lennon por los cuatro costados, pero es un tema bello y se palpa a la primera escucha.
Una de mis sorpresas del disco la rara, y porqué no, experimental High Horse Lady, diferente, como un "break" en el disco, no se ha que suena, pero me recuerda a algún grupo que alguna vez escuché.
En general el disco tiene esencia The Beatles en gran parte, y lo sé porque me encantan The Beatles y los escucho siempre, se nota. Pero el punto que le han dado al disco es tremendamente directo y monumental,
Si señores, me estoy planteando irlos a ver en el 2009 en mi ciudad, Madrid.
Band: Built to Spill Album: Perfect From Now On Year: 1997 Genre: Indie Rock
El 30 de Octubre vienen a Madrid, a la Sala Caracol si. Creo que aún no soy plenamente consciente de la suerte que tengo de apenas llevar 1 año como mucho desde que conocí a Built to Spill y que vengan así, derrepente de gira.
Así que, después de engancharme a ellos y a ver dedicado más o menos tiempo a los discos suyos que más me han gustado o menos, he decidido comentar su disco Perfect From Now On.
Hablar de Built to Spill es hablar de una banda que transmite buen rollo. En el momento que la escuchas la sonrisa se alarga de oreja a oreja y sus melodías basadas en guitarras y punteos melódicos y coloridos nos hacen despegar hacia aquella escena Independiente americana de los 90, que vió crecer verdaderas bandas de raza Indie, como Modest Mouse, Pavement o Built to Spill.
Randy Described Eternity, primer tema del disco, con punteos echizantes en las partes tranquilas, los cuales podrían ser la banda sonora de los corales más bellos del mar, mezclando estas partes con otras que desembocan en emoción... así hasta cerrar estas bellas vistas en una explosión Noise, eso si, bien azucarada y melódica.
Si tu cerebro, tu razón aceptan que es Built to Spill, solo tendrás que dejarte llevar a lo largo del resto de este maravilloso album, y que mejor estación de tren que el segundo corte: I Would Hurt a Fly, donde se combinan punteos, violines y esa voz tan personal y a la vez amigable y cercana a mi subconsciente que tiene Doug Martsch.
Sucesivamente escuchas el disco: al principio casi ambiental y luego divertida Stop the Show, la pegadiza Made-Up Dreams, Kicked It In the Sun....
En resumen, un disco menos agresivo, más limpio y menos saturado que mis queridos Modest Mouse, pero donde las melodías hacen que sean dos grupos más parecidos de lo que parecen, y a la vez diferentes, me quedo con los dos.
Band: Stereolab Album: Switched On Year: 1992 Genre: Indie Rock, Experimental
Una de las primeras bandas etiquetadas bajo la palabra "Post Rock". ¿Sus canciones? una sopa de letras que combina influencias tan dispares como la música Lounge e Easy-Listening de los 60, el Space Rock, (vease Spacemen 3 o Flaming Lips) o el Krautrock (los ya mencionados Can en este blog o Neu!por ejemplo), basada en melodias Pop sobre gritos electronicos provenientes de sintetizadores y órganos eléctricos. Todo ello, dirigido por preciosas voces y coros en frances e ingles, al más puro estilo Indie clásico y con sonido afilado.
Vanguardistas, experimentales, innovadores y explosivos.... así son ellos, una de las bandas más pioneras y estrategas de los sonidos de vanguardia de los 90. En este disco encuadernan sus tres primeros singles, canciones puras, naturales, sencillas melodias con bases y composiciones realmente envolventes y faciles de escuchar, las cuales se abren a la primera escucha con gran facilidad.
Sus guitarras, sus melodias, sus acordes y sus voces y coros recuerdan desde Yo la Tengo, Spacemen 3, Sonic Youth o Electrelane hasta My Bloody Valentine o Ride, tremendo documento sonoro.
Band: The Beatles Album: The Beatles (The White Album) Year: 1968 Genre: Rock
The White Album: ¿El disco más grande de la historia?, ¿el disco más importante y representativo del Rock en todas sus vertientes a lo largo de la historia? Quizás si, quizás no. (Recordemos que también existen The Rolling Stones, The Who, Pink Floyd...)
Eso si, de lo que estoy seguro, es que aunque cualquiera discrepe sobre cuál es el mejor disco de The Beatles (unos dirán que es Revolver, otros Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y otros dirán que es Abbey Road), para medir el grado de importancia de una banda de Rock, hay que fijarse en la palabra: "Influencia", la cuál, va de la mano de otra palabra: "Revolución".
Primero fué la Revolución y luego el legado y la influencia. Revolución porque antes de los Beatles no había nada, bueno si, pero no era Rock, era la base del Rock: Rock'n'Roll, Blues, Country (y muy purista), Jazz, Surf, Soul y un buen puñado de Oldies. The Beatles supieron cojer lo mejor de cada casa, mezclarlo, y sentar las bases de la música de hoy en dia, tal cuál. Pero no solo Revolución musical, sino porque The Beatles tuvieron la suerte de estar en el momento exacto en la época exacta: la Revolución Social de los años 60 y 70, Vietnam, la Cultura Hippie, las drogas, EEUU y Londres y sus propias evoluciones musicales, una época dorada, donde el mundo Capitalista estaba latiendo al compás de millones de jovenes.
¿Y en cuanto a White Album? ahí queda, como el máximo icono de una época, de una Revolución, del cambio, del punto de inflexión de lo viejo y lo nuevo. No podría hablar de este disco por canciones, no tendría ni pies ni cabeza, y a su vez sería una falta de respeto descubriros esta JOYA a quienes no la conozcais, sería una putada.
Aún así, deciros que en este disco, Harrison, Lennon, McCartney y Ringo Starr explotaron sus talentos a nivel de composiciones individuales, rozaron el climax creativo y aún les estoy dando las gracias. Tantas canciones y tan variadas... tantos estilos mezclados en un solo album, Pop, Surf, Heavy (si si, Helter Skelter debió de ser el primer latido del Heavy), Swing, Country, Blues, y sobre todo ROCK.
Para mi, el mejor disco de The Beatles y el disco más importante del Rock y de su historia.
Band: John Lennon Album: Imagine Year: 1971 Genre: Rock
Retomo el control de mi Blog, después de una crisis narrativa me veo con fuertas, ganas, y sobretodo, tiempo para escribir.
Y que mejor forma que empezar hablando del disco que últimamente escucho sin parar, el mágico Imagine de Lennon.
John Lennon me recuerda a un viejo amigo del colegio, un chaval llamado Eric, fan a muerte de Beatles y Lennon. Siempre tocabamos juntos la guitarra en el colegio (junto a Lolo) yo no salía de las canciones de Nirvana, y el estaba a otro nivel, al nivel de Lennon. Después de tantos años, comprendo a Eric, y entiendo aquel enamoramiento platónico que sentía hacia Lennon, ahora la comprendo.
Imagine es un disco, que junto a John Lennon/Plastic Ono Band , podría decirse que es la continuación perfecta de los Beatles, pero con la firma y la identidad de Lennon, más mágico, más emotivo y más triste.
Imagine es el himno de la Paz Mundial, y hoy en dia sigue representado aquél espíritu de los 70, es una de sus obras más conocidas y bellas. Otras canciones como Crippled Inside y It's So Hard son más Rockeras y Countries.
Quizás, para mi, la canción más bella de esta maravilla de disco es Jealous Guy(originalmente titulada Child of Nature)otra de las canciones más famosas de Lennon.
George Harrison fué invitado para colaborar en Imagine, especial reseña al tema How Do You Sleep?, mediante el cuál, Lennon criticó a Paul McCartney.
Band: Pearl Jam Album: Binaural Year: 2000 Genre: Grunge
Hoy en casa, intentaba descubrir frente al espejo las huellas que está dejando el paso del tiempo sobre mi cuerpo, en mi cara, en mis ojos, los cuales reflejan una chispa de madurez, la cual me asusta, pero es la realidad, la cruda realidad, la consciencia de que realmente el paso del tiempo es implacable y destructor... mientras de fondo, haciendo de banda sonora a mi análisis personal, físico-temporal sonaba de fondo Nothing As It Seems, una de las mas bellas composiciones que he oido jamás: Pearl Jam, como no.
Y todo esto viene porque hace unos 9 años cambió mi forma de entender la música, de valorar las composiciones musicales, de sentir emcociones incontroladas y sentimientos desenfrenados, hace 9 años escuché Pearl Jam, tarde, y a la vez pronto.
Y es que 9 años después, son muchos años, son muchas arrugas, uno madura mentalmente, se va haciendo mayor, conoce cosas nuevas, ve mundo, tiene experiencias nuevas, sensaciones diferentes... y derrente, te das cuenta que algunas cosas, siguen siendo las mismas, cosas que te hacen feliz, que sin ellas no podrías vivir, que pertenecen a tu pasado y al dia a dia... en mi caso es Pearl Jam. Yo cambio, tu cambias, terminan las guerras, empiezan otras, cambian los Gobiernos, muere la gente, el mundo cambia y gira sobre si mismo, pero las canciones de Pearl Jam se mantienen jovenes, seductoras y reivindicativas en mi interior, en mi mente; ellas, nunca cambiarán.
Empezé a tontear con Pearl Jam hace unos 10 años, cuando un dia, decidí comprarme el album VS (1993), entonces me olvidé de toda la música que había escuchado en los 6 años atrás, fué un lavado de cerebro, absoluto. Con un ansia incontrolada empezé a devorar todo el material de Pearl Jam, todo.
Es gracioso, como el paso del tiempo, hace ver las cosas desde otro punto de vista, de entender y analizar situaciones desde puntos de vista totalmente diferentes. Eso me pasó con Binaural (2000). Disco que fué de menos a mas. Y de mas hasta rozar climax sonoro y sentimental. No sé decidir que disco de Pearl Jam es el mejor, ni el que mas me gusta, pero puedo decir, que Binaural es de los que mejor aguntarán el tiempo, eso seguro.
Y ahora, después de esta gran introducción personal, ya me siento capacitado y suficientemente a gusto para analizar, para vosotros, mi opinión sobre este disco: Binaural.
Pearl Jam - Nothing as it Seems (Live Nurnberg '2000)
Fué, y es, el disco mas criticado de Pearl Jam, por la sencilla razón de ser un disco diferente, ¿pero diferente en que aspecto? en nada, la único diferente que hay es la mágia que desprende en comparación con los demás. Es el disco mas experimental, junto con No Code (1996), y eso, a los fans y críticos mas clasicistas les asustó. A mi también me asusto al principio, tenia miedo de que Pearl Jam tomasen otro rumbo, al final no ha sido así, simplemente, fué el momento y lo que ellos sentian en ese punto en el tiempo, y toda esa unión se plasca en los 13 cortes de Binaural. 13 canciones y de las B Sides, especial hincapie en la joya llamada Sad.
Lo demás es historia, y no voy a hablar de ninguna canción de Pearl Jam, podría escribir y escribir, eso os lo dejo a vosotros.
Band: The Cure Album: Bloodflowers Year: 2000 Genre: Alternative Rock, Post Punk, Gothic
Siempre intento recomendar en mi Blog buenos discos, por ello, siempre hablo, por norma general, muy bien de ellos. Y con este disco me pasa lo mismo, The Cure es una de las bandas que mas me gustan, y que considero a su vez, una de las bandas mas importantes a todos los niveles.
Después de ver en el año 2004 a The Cure en directo en el Xacobeo, creo que pocos grupos me podrán enamorar tanto, dificil. Y tengo la suerte, de verles ahora en Marzo del 2008 otra vez, ya os contaré.
Tras álbumes de gran presupuesto y desigual resultado como Wild Mood Swings (1996), Bloodflowers (2000) supone la reivindicación absoluta de unas de las bandas mas grandes de todos los tiempos.
Bloodflowers (2000) forma junto con Disintegration (1989)las dos piezas mas bellas de The Cure.
Así pues, Bloodflowers representa la seriedad, reflexión y madurez a nivel personal y compositivo de Robert Smith. Disco bello, cuidado y mimado hasta el mínimo detalle, hace de él una obra de arte, una dulce melodía sin retorno para nuestros oidos. "Atmósferas" y "Belleza" son las palabras que siempre van asociadas a The Cure, y en este disco, se hacen notar latido tras latido.
Un disco como este merece ser escuchado de principio a fin: desde la bonita y bella Out of this World, pasando por la depresiva Watching Me Fall, la romántica y sensual Where The Birds Always Sing, Maybe Someday o la lejana, triste y sentimental The Last Day of Summer de una belleza que asusta.
Band: Elliot Smith Album: Either/Or Year: 1997 Genre: Indie Folk
Martir del Rock. Un triste final para un hombre que llevaba como bandera la palabra dolor. Un dolor interno, tristeza aferrada a su corazón, y que sabía, y de que manera transmitirlo.
El lado más íntimo, precioso y natural se expande gemido tras gemido en este disco intimista, y mágico.
Either/Or (1997) fué grabado en la intimidad, con una producción pobre, pero ese hace del disco, algo especial.
Speed Trials habre este joya, tristes acordes, voz y gemidos recrean un ambiente de dolor e intimidad, haciendo de esta canción algo realmente bello.
No tienes tiempo de asimilar tal belleza de canción como Speed Trials y ya estás escuchando Alameda, segundo corte, con una belleza sin igual, con unos acordes transparentes, y una voz que nos presenta en bandeja, el alma de Elliot Smith, desnuda y sin complejos, eso si, marchita por tiempos pasados imposibles de olvidar.
Ballad of Big Nothing no es más que la continuación natural del disco, destripando dolor con acordes tristes y un estribillo celestial.
El momento más bello podría ser para la canción Between the Bars, una de sus canciones más amadas por las almas desconocidas que han sabido compartir su dolor, tremenda soledad.
Punch and Judy otra canción que enamora, una exquisita composición. Angeles es de las que más me gustan, por su simpleza, por su estribillo, por esa capacidad de hacerme participe de su intimidad.
No podría dejar de hablar de esta joya de disco sin nombrar el tema Cupid's Trick, de las que más me gustan, quizás se sale un poco de la estética del disco, siempre y cuando entendamos por ello que utiliza distorsión en la guitarra y es quizás mas rockera, incluso, encierra en sí el tema, un espíritu Grunge. Me encanta.
Señoras y señores, este disco es de los que merecen la pena, intimidad a gritos.
Band: Low Album: The Great Destroyer Year: 2005 Genre: Slowcore, Indie Rock
Hay momentos en la vida en lo que lo más sencillo e insignificante se transforma en un mundo, pero solo lo puedes entender tu, eres el protagonista. Cierra los ojos... siente el escalofrio que se agarra a tu espalda y que inutiliza tus funciones vitales. Ese escalofrio es Low, es un escalofrio cargado de un amplio abanico de sentimientos subterraneos y oscuros con melodias dóciles.
Así me dejó este disco al oirlo por primera vez, en mi soledad, contemplando acorde tras acorde, compás tras compás y ver como los latidos de mi corazón se acompasaban a las canciones.
Vi en el año 2003 a Low presentando Trust (2002), que abrían el concierto a Radiohead (si, fuí de los afortunados, lo sé) y no les conocía. Desde el principio me atraparon, dejé de pensar en Radiohead y me quedé hipnotizado. Y hoy, después de 5 años, y escuchar sus discos, quería hablar de The Great Destroyer (2005), quizás, su punto de inflexión? quizás...
The Great Destroyer (2005) sorprende a los que conocemos a Low. Tal vez porque los momentos de calma son los menos abundantes (no como en otros trabajos). Las canciones son rápidas (dentro del mundo de Low) y las guitarras hirientes.
Estamos ante unos Low "más accesibles", y eso no quiere decir que los demás discos carezcan de algo, simplemente, necesita menos escuchas para entenderlo, nada más.
Abre el disco Monkey, minimalismo cuidadisimo, belleza, oscuridad y seducción. Desde el primer segundo quedas enganchado al mundo depresivo de Low, tremenda canción, perfectas atmósferas Slowcore.
California tema más convencional, más colorido, estribillo pegadizo, y un fondo mas Rock.
Everybody´s song de los temas más destacados, es como un cuchillo afilado: “vive tu vida / tu estúpida vida / nadie la tiene mejor” . Mezcla distorsiones y un Noise bien tratado bajo pesadas bases, como un reactor que está apunto de explotar, pero de forma continuada.
Silver Rider envolvente atmósfera litúrgica. Coros celestiales y atmósferas Low, perfecto para un momento perfecto.
Cue the strings su cima emocional, tema celestial y emotivo, mientras que Step es la otra cara de la moneda. Vuelta a lo oscuro y pesado con un estribillo pegadizo lleno de melodía y palmas.
When I go Deaf es de aquellas canciones que nunca olvidas, que siempre podrias utilizarla para ponerla como banda sonora de alguna parte de tu vida. Preciosa canción, suave y sugerente con un subidón al final, al puro estilo Post Rock, que pone los pelos de punta.
Broadway (So Many People)de mis preferidas, con voces penetrantes en los parones entre medias, con una melodia vocal realmente bella, cargada de eco y una guitarra con un punteo precioso, el cierre del tema es realmente bonito.
Pissing impresionante crescendo que deja literalmente sin habla. Poco a poco parece que va viniendo el fin del mundo al oir esta canción. De menos a más va subiendo la intensidad, con unas voces que se entremezclan perfectamente y que envuelven de una forma contundente.
Para cerrar el disco nada mejor que Walk Into the Sea.
Band: Sigur Rós Album: Ágætis Byrjun Year: 1999 Genre: Post Rock
Escuchar este disco de Sigur Rós es admirar los pequeños detalles, las pequeñas cosas que hacen que el mundo siga funcionando. Escuchar Sigur Rós, y en especial Ágætis Byrjun (1999)es como pasear por un bosque gélido y frio, solitario y con niebla abundante, pisando hojas secas, admirando la belleza que a uno le rodea, hasta el punto de mimetizarnos con la naturaleza.
Sigur Ros se formó en el año 1994 en Reykjavík, Islandia. Y una curiosidad es que el idioma de sus canciones es islandés o un dialecto inventado. En cuanto a el nombre Sigur Rós viene dado en honor a la hermana de Jón Þór, llamada Sigurrós, la cual nació el mismo día en el que crearon la banda, bonito nombre.
Disco recomendado por mi para escucharlo en soledad y momentos tranquilos. Bonitos pianos, dulces guitarras, violines cantarines y sobretodo una voz camaleonica y hipnótica que se fusiona con los propios instrumentos llegando a parecer a veces una Nana para dormir a un bebé.
Aunque las canciones transmiten paz y tranquilidad, la mayoria encierran centro de sí un mundo frio y solitario, es como estár perdido en medio del Bosque de Thor (Reykjavík, Islandia) rodeado de niebla y glaciares sin rumbo. Las canciones Svefn-g-englar y Flugufrelsarinn me transmiten estas sensaciones, y la verdad, creo que es dificil transmitir sensaciones mediante música, y creerme, Sigur Rós lo consiguen.
Otros temas temas como Starálfur y Olsen Olsen están llamados a ser los temas más accesibles y fáciles de recordar, no por ello dejan de perder la frescura y la frialdad del disco, pero si contienen una pequeña dosis de tranquilidad y calidez.
Band: For Against Album: Echelons Year: 1986 Genre: Post Punk
Post Punk desde EEUU, si, es cierto. For Against llegaron desde el frío de Nebraska a mediados de los 80 para ejecutar una música en la que predominaban los ambientes etéreos, las voces con eco, y donde el bajo y la batería, muy marcados(recuerda a Joy Division y New Order) tomaban el mando de la melodía y acercaban el pop a una nueva dimensión. En definitiva, una banda americana de Post Punk, algo raro.
For Against debutaron en 1986 con su gema siniestra Echeleons, perfecta y deslumbrante muestra de la capacidad emotiva que derrochaban por aquellos entonces: se nos presenta un trabajo fresquísimo, que aún rezuma cuerpo, sustancia, melodía arrebatada, juventud y brillantez.
Conocí a For Against por el video de Echelons, el cual me mantuvo pegado a la caja tonta con la boca abierta, pensé: ¿quien son estos? no pueden ser un grupo de ahora, ya no se hace esta música. Esperé mientras contemplaba atónito el video hasta que me quedé con el nombre del grupo. Investigé sobre ellos, me hice con la discografía, y después de escucharla, y centrarme sobretodo en el disco Echelons aquí estoy, para escribrir mis impresiones.
Lo escuchas y piensas en Joy Division, en New Order, en The Cure, pero también piensas en My Bloody Valentine, en Ride, su único pecado: no haber nacido en UK y haber tenido más pegada como grupo en aquella época.
Shine abre el disco, con una base claramente Post Punk, te viene a la mente esos oscuros años 80, depresivos y enfermizos. Shine suena como un himno que quiere dar banda sonora a una época.
Daylight y Get on with it son el segundo y tercer corte, los cuales siguen la estela de Shine. For Against nos van enseñando sus cartas antes de tiempo y podemos ver de que trata este album: temas directos, con un bajo con una linea punk, en general, temas oscuros con buenas melodías.
El himno del disco: Echelons se desmarca de la línea que siguen las canciones del disco. Una canción que podría ser perfectamente etiquetable como "los principios" del Post Rock. A la vez me recuerda un poco a las canciones de Sonic Youth de su primer disco Sonic Youth LP y de el Confusion is Sex pero suprimiendo el Noise de tales discos. Echelons es una oda a lo depresivo, a lo oscuro, pero a la vez es algo atractivo.
It´s a Lie canción con espíritu Post Punk, puro extasis y pura energía, de los mejores cortes del disco. Autocrat otro temazo envolvente, con un gran bajo y dulce melodia en las voces, que te hacen viajar al mundo particular de For Against.
Forget Who You Are es un corte más propio de The Cure, canción más suave, más cargada a la vez, con redobles de bateria que se mezclan con los aullidos de un órgano, nos hace participar en una procesión de almas que explota en un estribillo etéreo y sobrecojedor.
Band: Pink Floyd Album: Meddle Year: 1971 Genre: Rock Experimental
Obra Magna del Rock. Disco que abre una etapa nueva compositiva de Pink Floyd bajo un nombre: David Gilmour, el maestro y el mayor genio del Rock.
Meddle (1971), mi disco preferido junto al The Piper at the Gates of Dawn (1967) y Darkside of the Moon (1973) es el punto de inflexión, es otro mundo.
La locura, la experimentación, el ruido... de los anteriores discos dejan paso a otra forma de entender el Rock Experimental. Grabado durante la gira de Atom Heart Mother, responde al deseo de encontrar un sonido nuevo, a la necesidad de un cambio radical.
Abre con el tema One of These Days, tema instrumental que posee sonidos graves y una guitarra con elevada distorsión. Durante la canción, se escucha a Nick Mason, a través de una amplificador de guitarra, con un efecto de pedal, decir: One of these days, I'm going to cut you into little pieces (Uno de estos días, voy a cortarte en pedacitos). Originalmente el tema era más largo y fue acortado.
Después de escuchar una canción tan enérgica como One of These Days, lo que uno no se espera es que las demás canciones sean tan diferentes; son como volar por las nubes, temas tranquilos, suaves, muy cuidados con una exquisitez que llega "casi" a la perfección, que luego si que tendrán los temas del Darkside of the Moon, empezemos a destripar el disco:
A Pillow Of Winds es uno de los temas más bellos de todas las composiciones de Pink Floyd. Belleza y tristeza por los cuatro costados. La dulce voz de David Gilmour y la guitarra hace sentirse a uno flotando en el mar y dejandose llevar por la corriente en una noche estrellada. Mágico tema.
Fearless es la evolución y continuación natural de A Pillow Of Winds. Misma amalgama de dulces voces y exquisitas guitarras. Al final del tema empieza a escucharse el himno de el equipo de futbol Liverpool, una granación de todos los seguidores cantando el bonito y mítico You'll Never Walk Alone.
La siguiente canción es San Tropez canción elegante, con Richard Wright al piano haciendo las delicias de todos y Roger Waters cantando bajo los hipnóticos y cálidos acordes y punteos de Sir Gilmour.
Seamus es un blues en el que se escuchan los aullidos del perro Seamus. Previamente el tema se llamó Mademoiselle Nobs (bajo este nombre aparece grabada la canción en el espectacular Live at Pompeii)
Cierra el disco la composición más importante, bella, enorme y grandiosa del Rock bajo mi opinión y gusto: Echoes
Echoes de las canciones más grandes de Pink Floyd, donde se ve el buen gusto de las composiciones del David Gilmour.... tema muy extenso, resultado de la combinación de 36 fragmentos independientes, que fueron siendo reinterpretados y editados para formar la pieza final que se conoce. Los punteos ponen todos mis sentidos a flor de piel y mis sentimientos no responden a otro estímulo que la propia canción. Es lo más bello que he oido en mi vida. Se mezcla la melodia en la Parte I de la canción con la psicodelia y la experimentación de la Parte II de la canción: es tomar las estrellas del firmamento.
Band: Frank Zappa Album: Hot Rats Year: 1969 Genre: Rock, Jazz, Experimental
Hot Rats (1969) uno de los mejores discos de la historia, de los más elaborados y trabajados, inmenso en su conjunto. Dificil de criticar, solo hay que sentarse, escucharlo y admirarlo, nada más.
Frank Zappa era un adelantado en la época... como otros pocos artistas. No solo porque tenga la friolera de unos 60 discos, sino porque fué capaz de tocar con una banda básica hasta tocar y dirigir orquestas en sus discos, un auténtico mito del Rock amigos.
Frank Zappa se hace acompañar en Hot Rats por excelentes músicos como Sugarcane Harris o Jean-Luc Ponty al violín, así como del fiel Ian Underwood, pero es su increíble juego de guitarra, que brilla a lo largo de todo este disco magistral.
Y es que este disco es su pieza clave, en la mayoría instrumental, no deja de sorprenderme. El Zappa más psicodélico, jazzero y rockero. Llevo 3 o 4 años escuchandolo y sigo hipnotizado. Este álbum fue el que le hizo ganar a Zappa reputación como guitarrista. Ningún "periodista" se atrevió a hablar mal de él aún. En este disco podemos encontrar antológicas composiciones de rock y jazz llevadas al climax musical: Peaches en Regalia, Willie The Pimp, Son of Mr. Green Genes (mi tema preferido, que punteos, como rompe, pufff)... sublime, grandioso, PERFECTO.
Band: Can Album: Future Days Year: 1973 Genre: Krautrock, Experimental Rock
Mientras King Crimson o Pink Floyd abrían nuevos caminos en el Rock con sus discos experimentales y conceptuales, en Alemania había nacido un estilo, el Krautrock o Kraut Rock. Bandas con las mismas inquietudes que Pink Floyd, Yes o King Crimson , un claro ejemplo es: Neu!, Faust, o como no Can.
Este es su 5º album, el cual puede incluso "rozar" el Ambient Rock. Temazos muy elaborados, con una gran base rítmica. En este album la voz de Damo Suzuki pierde importancia, he incluso parece otro instrumento más. Son 4 canciones.
Abre el disco Future Days, la cual es la perfecta presentación del disco, con una base rítmica entre el Jazz y el Rock; punteos atrapantes y envolventes.
El segundo tema es Spray, donde juegan más con el organo y los ritmos étnicos (cuanto LSD se metían estos tios?), es otro tema que te lleva a un mundo diferente, de miedos e inquietudes.
El tercer tema es Moonshake quizás la más accesible para gente que no logre dar un sentido a la música de Can, vamos, en definitiva, tema más comercial, pero sin serlo. Este tema me recuerda junto con Future Days a los primeros discos, tema con un sabor añejo a los 70. Cuando la escuchas piensas: ¿por que no tenia 25 años en los 70?.
Por último cierra esta obra maestra Bel Air. Al igual que Pink Floyd, Can cierran su disco a lo grande, con un tema largisimo de 19:53 min....si es que..... estas cosas ya no se hacen.... que pena. Es un temazo, con varias partes, muy experimental, les gusta llegar a todo. La voz se sale, brutal, la bateria lo mejor, los sintetizadores, guitarra... es una explosión de calidad y de capacidad de creación, como todo este disco en su conjunto. FUNDAMENTAL.
Band: Television Album: Marquee Moon Year: 1977 Genre: Art Punk, New Wave
Situemonos: estamos en aquella New York de los años 70, donde la música pasó sus noches más locas y su etapa de oro: los primeros conciertos en el CBGB (Television fue el primer grupo que actuó en el mítico CBGB) y como no Patti Smith, The Ramones, Blondie, The New York Dolls, Talking Heads y Television entre otros grupos estaban poniendo patas arriba la ciudad, la cultura y el arte, bajo la atenta mirada de Andy Warhol.
Marquee Moon (1977) es uno de los discos debut más impresionantes de la historia de la música, y uno de los discos clave del Rock, y eso que en su momento pasó algo desapercibido. Contiene una de las visiones más originales y transgresoras del rock que jamás se hayan recogido. Tom Verlaine guitarra y cantante lider de Television consiguió sacar un sonido realmente peculiar y original a los temas: desde la perfecta fusión melódica de las guitarras de Richard Lloyd y Tom Verlaine hasta la voz. En definitiva, estamos hablando de un disco de culto.
Cualquier canción del disco te hace flotar y llegar al éxtasis, me imagino que la gente que tuvo el privilegio de ver a Television en garitos cerrados y cargados de humo debieron de quedar marcados. Algunos de los temas más increibles y grandiosos de esta obra sublime son: See No Evil, Venus, mi preferida Friction (como suena esa Fender Jazzmaster, si señor) o Marquee Moon... aunque con esta clase de discos, uno no puede buscar el "tema estrella" y no escuchar lo demás, eso es sacrilegio.
Band: Belle and Sebastian Album: If You're Feeling Sinister Year: 1996 Genre: Indie Pop
Indie Pop y Folk Rock con fuerte inspiración de los 60, con claras influencias (como no) The Velvet Underground, Left Banke, Simon & Garfunkel o Nick Drake.
Simples como dos acordes, originales como pocos. If You're Feeling Sinister (1996) es entender el Indie Pop en su expresión más elegante y sugerente. Banda brillante en su arquitectura melódica, calidez y delicadeza en la ejecución instrumental.
simples melodías con una dosis de felicidad apta para esos dias tristones que muchas veces tenemos.
Este disco es la banda sonora para cambiar esa cara triste: trompetas, armonicas, violines, pianos, bonitas melodias (a veces agridulces) simples acordes y bases, pegadizos coros, y una voz muy melosa y agradable hacen que este disco sea de facil escucha... al cual se le coje cariño.
Temas como The Stars of Track and Field (increible canción, de verdad), o temas como Seeing Other People, The Fox in the Snow o la dulce Get Me Away From Here, I'm Dying abanderan esta obra indispensable para aquellos amantes del género.
Band: Pavement Album: Wowee Zowee Year: 1995 Genre: Lo Fi, Indie Rock
Banda de culto para los "gafapastas" e indies ententidos. Banda no comercial, de la cual no muchos tenemos el gran privilegio de oir, admirar, envidiar y sobretodo, disfrutar. Pavement es una de las bandas más importantes de el panorama independiente de los 90, liderada por Stephen Malkmus. Lo que no entiendo aún, es porque a la gente le cuesta escuchar tanto este grupo, no es la primera vez que se los presento a alguien y no lo aguanta... para gustos, colores.
Wowee Zowee (1995) es el tercer disco de Pavement, siguiendo la estela de sus dos obras maestras: Slanted & Enchanted (1992) y Crooked Rain, Crooked Rain (1994)donde el sonido y el disco es más accesible. En Wowee Zowee se intentan mostrar más variados y experimentales que en sus previos trabajos y el sonido cada vez va adquiriendo un cariz más pulido.
Recibido con disparidad de opiniones, el álbum "suena" un poco a todo, tiene cortes Lo Fi, Indie Rock, Garage Rock, Noise o incluso Folk Rock. Quizás sea el disco más Rock y ecléctico que Pavement tiene.
Destaco el tema Rattled by the Rush puro estilo Pavement, melodía pura, furiosos punteos. Black Out tema tranquilito, preciosa melodia, punteos que miman el oido del oyente, que lo arropan con las dulces guitarras y la voz.
Grounded es una sencilla canción, con guitarras que logran domar las distorsiones; otro tema que me pone los pelos de punta, espejo infinito a quellos maravillosos años 90. Father To A Sister of Thought sigue siendo de mis preferidas, con una melodia Pop y punteos tirando al Country hacen de ella no solo una bella canción, sino uno de los temas más representativos del disco.
Extradition sin lugar a dudas de los temas más experimentales, mezcla de punteos esquizofrénicos y distorsiones domandas, muy original.
Pueblo de los grandes temas de el disco. Poco a poco, nos va envolviendo este tema, que "sabe" a despedida,aunque no cierra el disco; punteos muy en la onda de los útimos Sonic Youth.
Band: Godspeed You Black Emperor! Album: Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven Year: 2000 Genre: Post Rock
Canadienses creadores de un Post Rock muy orquestal, poco convencional (aparte de guitarras, bajo y percursión) haciendo uso de violines, piano, celo, cuernos, etc.
Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven (2000) es un disco estructurado y concebido más como una sinfonía que como un disco convencional. Los 4 temas del disco están compuestos por movimientos o diferentes partes a su vez, con diferentes sub-títulos, que se suceden uno detrás de otro haciendo alusión a la pasaje de la canción en la que nos encontramos. El álbum entero es instrumental, excepto por algunos fragmentos hablados.
Luego como he comentado antes, los 4 temas son creados para que el oyente lo entienda como una sola pieza musical, en la cual uno podrá saborear los oscuros pasajes propuestos por Godspeed You Black Emperor! en este disco.
Storm abre esta magna obra. Gran canción con una fuerte carga emotiva, muy al estilo Post Rock más convencional, con pasajes muy adictivos y con fuerte carga sonora.
Quizás la otra cara de la moneda la representa el tema Static que transmite frio, oscuridad y melancolía, con un violín que sugiere dolor, parece un llanto...
Sleep es un suave susurro de guitarras y violines que durante los primeros largos momentos del tema te transmite paz, hasta que poco a poco va degenerando el tema en una anarquía sonora.
En mi opinión un gran disco, no apto para gente "sin paciencia" y sin un mínimo de criterio y cultura musical.
Band: Tortoise Album: TNT Year: 1998 Genre: Post Rock
Dificil de calificar, dificil de críticar, dificil en encasillar. Esto significa que estamos ante algo diferente. Es Post Rock, pero si el Rock (en este disco, cuidado). El Jazz hace presencia en los diferentes cortes, pero no es solo Jazz, es algo más, es la fórmula secreta de Tortoise.
La base es claramente Experimental, y se hacen ver las dotes de los músicos, grandes en sus labores, conocedores de sus cualidades, nos dejan estupefactos con sus grandes composiciones y dotes, vaya disco Señoras/es.
Una guitarra austera, varios synthes perfectamente bien grabados, y dos baterias (si, dos) hacen las delicias de los oyentes. Es un disco suave, enigmatico, tranquilo, atmosférico y atemporal.
TNT canción que, personalmente, me habría encantado componer, me parece perfecta. Una guitarra que nos quiere "hablar" nos quiere "sugerir" algo, mientras las dos baterias hacen las delicias de mis oidos y crean una base rítmica envolvente. Poco a poco empieza el tema a "captar" mis sentidos, terminando por "raptar" mis sentimientos y me lleva a un mundo mágico en el que me siento agusto y protegido.
Swung from the Gutters nos lleva a paisajes más ácidos, con el Jazz más presente, con una elaborada base experimental. Grandes arreglos, me parece otro gran tema.
Ten-Day Interval quizás es el corte más diferente del disco, experimental y personal. Utilizan de base el Xilófono, que poco a poco se va fusionando con el piano y la guitarra, y me envuelve de una forma imparable... Tortoise en directo deben ser increibles.
I Set My Face to the Hillside empieza con la base de fondo, de niños gritando y hablando, y sobre ello entra una guitarra que recuerda a Calexico, acompaña con ritmos con un sabor a desierto, un sabor mariachi o mexicano, que desempoca en otro mar de xilófonos envolventes.
The Equator es el último corte, minimalista, muy cuidado, con base de sintetizadores mezclado con una guitarra jazzera que me recuerda (aparte) a David Gilmour, la cual hace de sintonía del Universo, de la Galaxia.
Band: My Bloody Valentine Album: Loveless Year: 1991 Genre: Shoegazer
Una de las obras maestras del Noise y del Indie.
En una palabra: Shoegazer. Así tengo que empezar. Feedback quizás sería la segunda palabra que utilizaría.
Tenía pensado hablar de esta auténtica joya de disco más tarde, pero la noticia de que My Bloody Valentine se han reunido (dicen que van a grabar nuevo album para 2008 rescatando temas posteriores a la grabación de Lovelees, regrabandolos, arreglandolos, adaptandolos a sus nuevas ideas, y junto a ellos incluirán nuevos cortes) y ya han cerrado 3 conciertos en UK para el 2008 me ha hecho adelantarme a tal crítica.
Volvamos al principio: "Shoegazer" o "Shoegazing":
Shoegazer fue un estilo musical que nació a finales de los 80 y principios de los años de los 90 en el Reino Unido: Este estilo consistia en la creación de música mediante "muros de sonido"; esto es, guitarras cargadas de potentes distorsiones, Feedback, y otros efectos que creaban una base potente y ruidosa en la cual se esconde la melodía. Los grupos más importantes de la escena fueron My Bloody Valentine (autores del disco fundamental del género, "Loveless", editado en 1991), Ride, Slowdive, Lush, Swervedriver y Chapterhouse entre otros.
En definitiva, uno de los discos más importantes de los 90, y que ha influenciado a un gran puñado de grupos, y eso solo lo logran los auténticos discos.
Abre el disco Only Shallow, y en los primeros segundos por fin entiendes que significa Shoegazer. Poderosas guitarras crean un "muro sónico" de distorsión impenetrable, en la cual la melodía se hace presente en la voz dulce y a veces sensual de Bilinda Butcher (cantante junto a Kevin Shields)
Loomer crea una atmósfera etérea indescriptible. la voz susurrante de Bilinda Butcher consigue atrapar todos mis sentidos y dirigirlos solo a la escucha de la canción. Bella canción.
When You Sleep otro corte a destacar, a la voz Kevin Shields. Representa el Shoegazer más tranquilo y alegre. Preciosa pieza.
Sometimes para mi, el tema más "bello" del disco, y de las piezas más importantes. Es paz, es sencillez, es perfecto. Único tema con guitarra acústica, con otra guitarra haciendo una base suave de distorsión de fondo.
En Resumen, ante mi tengo un disco (que compré hace varios años, y baratito) y no puedo decir otra cosa que, suena atemporal. No es para escuchar todos los dias, es para escucharlo en los momentos más personales de cada uno, y poder saborearlo. Uno se siente único en el mundo y con suerte al poder ser de los "privilegiados" que conoce este grupo.
Band: Depeche Mode Album: Violator Year: 1990 Genre: Synthpop
Para mi el mejor disco de Depeche Mode: album oscuro, elegante, sentimental, minimalista y con clase. Disco con increbibles "arreglos" orquestales, sintetizadores, beats, y donde se atreven a meter elementos de Rock, guitarras y riffs enfermizos que se te adhieren al alma.
Depeche Mode alcanzó con este disco unas cuotas de calidad verdaderamente asombrosas. Si a esta pequeña descripción del disco le sumamos los singlesPersonal Jesus y Enjoy the Silence (aparte de los otros dos singles World in My Eyes y Policy of Truth editados más tarde) tenemos un auténtico discazo.
World in My Eyes abre el disco, temazo con una voz penetrante, fría y oscura que entra en tu corazón como una flecha. La sigue Sweetest Perfection otro tema igual de frio, triste, oscuro y... bello, sentimental.
Personal Jesus es un auténtico himno. Crítica a la excesiva comercialización que se hace de la religión. Perfección compositiva y increibles arreglos, simplemente perfecta.
Halo tema con una base muy oscura, que poco a poco va dando paso a sonidos rítmicos de sintetizador, progresando, de menos a más en efectos añadidos hasta un estribillo intenso.
Waiting for the Night para mi el tema más minimalista, con una "suave base de sintetizadores" que trasmite paz y crea una burbuja de armónia dulce y que transmite tranquilidad, y a la vez me transmite temor y miedo (no se a qué) en ciertos momentos.
Enjoy the Silence probablemente la mejor canción que Depeche Mode han hecho jamás. Para mi, una de las canciones que elegiría para la banda sonora de mi vida.
El tema se revela como un homenaje a la música misma siguiendo el principio de que el intervalo entre nota y nota es el que da la armonía; o sea, el silencio.
En definitiva, mezcla de sentimientos, belleza y perfección se juntan en este disco, y en esta canción alcanzan su máxima expresión, solo tienes que dejarte llevar. Desde que escuché por primera vez este tema con tan solo 8 años (ni me acuerdo) siempre he tenido la sensación de que esta canción a pertenecido a mi vida, a mi pasado, de forma indirecta. Representa pues, tanto este disco como este tema, una pequeña banda sonora de mi vida.
Policy of Truth el último single del disco. Otra de las canciones más bellas, siguiendo la estela y la vanguardia que se plasma en este album.
Band: Spoon Album: Girls Can Tell Year: 2001 Genre: Indie Rock
DISCAZO. Madre mia, otro pedazo de disco! Uno de mis mejores amigos, Alvarito, me dijo: "Este es el mejor disco de Spoon, tienes que oirlo", me puso dos temas y pensé: "no siguas, esto es perfecto".
Pues bien, Spoon es la cara "No Comercial" de Wilco, son americanos, de Texas, y mezclan su particular Indie Rock con una fina base Experimental.
Sus canciones son claras, instantáneas, pero a la vez impredecibles e imprevisibles, con un gusto compositivo minimalista, exquisito, maduro y bello.
Hablar de Girls Can Tell (2001) es hablar de su mejor disco hasta la fecha, aunque ojito con Ga Ga Ga Ga Ga (2007), que es otro discazo del cual algún dia hablaré.
El disco empieza con Everything Hits at Once, la cual no "destapa" lo que será el disco, para nada. Tema directo, muy maduro, una voz dulce dulce, acompasada a la perfección con las guitarras hace que me derrita, que canción tan grande!
Believing Is Art no se que coño decir para definirla, no lo sé, es increible, el ritmo, el rollo que tiene, es perfecta. La siguiente canción es Me and the Bean otra perfección de tema, una poesía cristalina, una composición envidiable y apasionante.
Lines in the Suit es la cuarta canción, y cuando la oyes te preguntas: "¿que ha pasado durante mi vida que nunca he tenido ni una señal de vida de este grupo?" vaya canción, la voz, el ritmo, es perfecto amigos, estoy intentando desglosaros una "Obra Magna" y nosé como hacerlo, me resulta dificil poder hablar de este disco, es imposible buscarle adjetivos.
1020 AM guitarras acústicas y una melodía de voz que me hace volar...
En definitiva, uno de los grupos más grandes de ahora, pero cuidado, que su primer disco Telephono (1996) vió la luz hace 11 años ya, y tienen Spoon a sus espaldas 6 discazos.
Band: Andrew Bird Album: The Mysterious Production of Eggs Year: 2005 Genre: Indie, Folk Rock
"cuando la música no admite descripción, es porque realmente es verdadera"
Este disco no "huele" a promesa, es una de las obras más bellas de la música.
Escuchar a Andrew Bird es sumergirte en un mundo de fantasía, donde todo es posible, donde todo vale, donde puedes hacer lo que quieras, y el es lo que hace en este disco, lo que quiere. Y no solo sabe componer preciosas canciones, diferentes al resto, el chico canta, toca la guitarra, el violín, y para los más curiosos el mismo se proclama un "silbador profesional" en fin...
Llevo escuchando este disco escasos meses, y no deja de sorprenderme sus estructuras, la facilidad que tiene Andrew Bird de meter diferentes instrumentos, hacer tantos cambios en las canciones y quede tan bien.
Cuando empiezas con este disco piensas: "pufff, ¿un cantautor intimista?" sin embargo, según vas escuchando el disco, te das cuenta que hay algo nuevo, especial y mágico en este hombre. Descubrimos a un hombre con una gran capacidad de crear sensibilidad al oyente, apoyandonse en su guitarra, violín, voz, y en sus silbidos, como silba, merece la pena.
Y no, Andrew Bird no es un egocéntrico cantautor que es él y su voz, no. hay guitarras, arreglos, estructuras marcianas, y estribillos Indie Pop bellísimos, como en el tema Opposite Day, es increible.
La linda, amigable y bella Sovay abre el disco después de una introducción, canción que no destapa el disco, ya que cada tema tiene su personalidad, pero eso si, que bellos estribillos, y que voz!
El tema Fake Palindromes es indefinible: espectacular? más quisieran los Beatles elevarme a este estado de nirvana?
En fin... Que no quiero seguir hablando de temas sueltos!! este disco no merece tal insulto. Solo puedo definirlo, y redefinirlo como una de las obras más bellas de la música.
Band: My Morning Jacket Album: Z Year: 2005 Genre: Indie Rock
Me enteré de que existian My Morning Jacket unos meses antes de verles de teloneros de Pearl Jam en Madrid en Septiembre del 2006. Incluso antes de saber que eran sus teloneros me interesé por ellos, adquirí su último disco: Z (2005) después de leer críticas, lo escuché y me enamoré. Imaginaros la alegria que me dió al saber que My Morning Jacket iban a telonear a mi banda preferida: Pearl Jam.
Cuando escuchas My Morning Jacket se te queda un sabor en la boca que pasa por Wilco, Spoon o Radiohead. Sus temas muy tratados, estructuras bien definidas, logran que pases de un estado a otro, de un parte al más puro estilo Dream Pop a una parte Indie Rock salvaje.
Este disco, es de lo mejor de este nuevo siglo hasta la fecha de hoy en dia. El disco lo abre Wordless Chorus canción acompañada con la base de sintetizadores a lo Flaming Lips que junto con la guitarra y la voz hacen de ello la amalgama perfecta. It Beats 4 U es de mis preferidas, marcada por una elegancia compositiva que se hace notar desde el principio del tema.
Gideon quizás es el tema emblema de este disco. Riff atrapante de guitarra, canción con una melodía perfecta, a lo The Beatles, al final del tema el piano me hace recordar a Coldplay.
Anytime otro corta a destacar, muy directo, muy enérgico, muy facil de escuchar, queme recuerda también a Coldplay o a los primeros Wilco.
Cierra el disco Dondante triste canción, donde la voz toma las riendas de los apagados instrumentos. La voz se acerca en muchos momentos a la fusión con la voz de Thom Yorke (Radiohead). Los punteos de guitarra van poco a poco tomando forma y creando un mar de lamentos y lágrimas que es lo que transmite esta canción, todo va poco a poco subiendo, hasta estallar como una bomba en tus oidos, enorme, precioso tema.
Band: Dinosaur Jr Album: Green Mind Year: 1991, February Genre: Alternative Rock, Noise Rock
Empezemos por situarnos en los 80: nace en esta época el Noise Rock, el Alternative Rock, y en EE.UU nacen bandas "clave" e influencia fundamental para las bandas que se darian a conocer en los 90: por citar algunas de estas bandas "clave" puedo nombras a: Pixies, Sonic Youth, Meat Puppets, Hüsker Dü, The Replacements... y ahí está J Mascis , personaje fundamental y "algo desconocido" en la historia del rock en EE.UU en los 80.
J Mascis es Dinosaur Jr, guitarra y voz. Dinosaur Jr es una ventana a los 80, a el principio del Grunge, los pilares de miles de grupos.
Green Mind, es el cuarto album de Dinosaur Jr. Después de editar tremendas joyas como You're Living All Over Me (1987) y Bug (1988), Dinosaur Jr editan Green Mind (1991) con un sonido más pulido pero siempre manteniendo las texturas agrias y las distorsiones y ruidos. Green Mind supone el paso de Dinosaur Jr. al mercado multinacional. Empiezan la giran por Europa junto a Sonic Youth, Nirvana y Babes in Toyland mientras la bomba de Seattle empieza a hacer destrozos.
Aquellos días de ruido y rosas quedan magistralmente resumidos en el video documental1991: The year punk broke (1993). Presentado por Thurston Moore(Sonic Youth) durante su mega gira Europea de ese año, en la que fueron teloneados Sonic Youth por Nirvana, Dinosaur Jr y Babes in Toyland. (El film se compone básicamente de actuaciones en vivo de los grupos nombrados, en especial de Sonic Youth)
En definitiva, Green Mind (junto a sus antecesores) es un disco a escuchar, entender porqué paso lo que pasó, y darles las gracias a estos viejos dinosaurios por serguir en pie, y sacar este año 2007 nuevo disco y venir a España al FIB.
El disco abre con The Wagon, canción cañera, pegadiza y muy alegre, con un pedazo estribillo. La sigue Puke + Cry, otra preciosa canción... y así en la misma onda todo el disco.
Si os gustan, os recomiendo los dos discos de Dinosaur Jr por excelencia para mi:
Para hablar de Ride tenemos que hablar de el Shoegazer o el Shoegazing (wikipedia):
Cuando hablamos de el Shoegazer, hablamos de barreras de guitarras, feedback, ruidos, acoples, y a la vez melódicas, plagadas de pedales de efectos como el flanger, reverb o chorus, los ambientes espaciales que creaban y sus letras, entre sombrías y melancólicas —la mayor parte del tiempo susurradas—, eran los medios identificativos de los grupos. Generalmente reconocían (explícita o implícitamente) como influencias a The Jesus and Mary Chain, Velvet Underground, Spacemen 3, los Cocteau Twins y Brian Eno.
Los grupos más importantes de la escena fueron My Bloody Valentine (autores del disco fundamental del género, "Loveless", editado en 1991), Ride, Slowdive, Lush, Swervedriver y Chapterhouse.
En definitiva, Ride es de esos grupos que transmiten lo que tocan, que te envuelven...melodías melancólicas, sentimentales y etéreas... con un sabor a los 80. Guitarras con Feedback, con efectos realmente perfectos y muy bien empleados, con melodías de voz muy bonitas y dulces, muy buenos coros. En definitiva, grupazo que solo unos pocos tendremos el placer de conocer.
El disco abre con Seagull, y ya desde el principio me viene a la cabeza mis valoradisimos My Bloody Valentine, guitarras con buena dosis de Feedback. Le sigue otra canción de las que mas me han gustan: Kaleidoscope, se me ponen los pelos de puntas con las guitarras y las melodías de voz, increibles. In a Different Place canción tranquila y dulce.
Polar Bear otro temazo, explosiva carga de efectos de guitarra como el Flanger o el Feedback, crean una atmósfera singular, que mezclada con la melodía de la voz y el peso de la bateria hace de ello una canción increible. Dreams Burn Down tema suave pero con una guitarra ruidosa de fondo que envuelve; me recuerda al pasear en una fria tarde de otoño, mirando los arboles y pensado en ese instante que estoy viviendo algo pasado.... la verdad, es que este grupo, es de los que más me han llegado al corazón en mis últimas escuchas.
El tema Decay desprende un estilo algo diferente a las demás canciones, recordandome los punteos y el ritmo de bateria a los The Smiths más salvajes, siempre con la etiqueta de Ride.
En resumen, discazo y otra joya más que os dejo aquí para que os intereseis un poco.
